L'arte è il linguaggio che parla all'anima delle cose che sono per essa il «pane quotidiano», che può ricevere solo in questa forma.

(V. Kandinsky, Lo spirituale nell'arte)

Partendo da questa frase e viaggiando fino all'altro capo del mondo, questo articolo si baserà sulla sottigliezza e sui dettagli della vita quotidiana che si riflettono nell'opera di due artisti con così tanti punti in comune.

Esploreremo le opere di due prominenti artisti del XX secolo, Antonio Berni e Juan Grela, per analizzare attentamente come utilizzano il colore rosso nelle loro creazioni. Prima, stabiliremo la relazione fondamentale tra l'opera e l'artista, contestualizzando le loro vite e le loro influenze artistiche.

La concezione dell'arte, e con essa quella dell'artista e dell'opera, cambia continuamente. Johann Wolfgang (von) Goethe, all'inizio del XIX secolo, pubblica la Teoria dei Colori in cui collega l'opera d'arte all'artista e quest'ultimo alla Natura. Secondo il suo punto di vista, l'artista può acquisire conoscenza solo attraverso l'esperienza dei sensi legati all'ambiente esterno.

Goethe considera che l'artista e l'elemento spirituale non possono separarsi dall'opera, mentre quest'ultima sarebbe più perfetta quanto più riflette la Natura e l'esperienza dell'artista in essa. Così, l'attività artistica si basa sulla fantasia e sulla relazione con i sentimenti.

L'artista è la mano che rende realtà le idee della Natura; il suo interno elabora l'essenza stessa delle cose a partire dalla percezione. Questa mistica propone di cercare nell'anima umana la causa di queste cose, poiché è nell'interno che si rivela l'essenza del mondo.

L'arte presuppone un modo di comunicazione in cui l'artista esprime il desiderio di far conoscere ciò che lo abita e ciò che abita; l'equilibrio che raggiunge tra il mondo esterno e il suo mondo interiore, al fine di generare un prodotto, qualcosa di nuovo, conseguenza della catarsi svolta in un processo di riflessione, trasformazione e creazione.

Analizzando diverse opere, spesso troviamo schemi che si ripetono, o crediamo si ripetano, anche se sono di Nature diverse. Un esempio lampante è il colore e, in modo più preciso, il colore rosso.

Nell'arte, si fa spesso riferimento al rosso come a un colore puro, attraente, vivace e sensuale, e dipende da ciascun artista la Natura di esso. Osserveremo come e quale rosso viene utilizzato, che effetti e sensazioni vuole trasmettere, così come le tonalità e le combinazioni dello stesso.

In questo caso particolare, considereremo solo due rossi diversi, secondo gli artisti argentini Antonio Berni e Juan Grela, essendo per loro un colore ricorrente e significativo in modo molteplice. Questi artisti hanno lavorato insieme alla Mutualità, un'istituzione educativa all'avanguardia, orientata verso le avanguardie estetiche e politiche, che metteva in discussione il profilo borghese dell'arte.

Berni e Grela utilizzavano il rosso in modo ripetitivo nella maggior parte delle loro opere cromatiche. Rossi a prima vista, ma si tratta di due rossi molto diversi tra loro: un rosso arancione e un rosso violaceo. Ad esempio, Antonio Berni utilizza il colore come simbolo della lotta operaia in Manifestazione del 1962, mentre lo stesso tono in Grela assume una qualità materna e femminile in El moncholo del 1944.

Fin dall'inizio è evidente la differenza di rossi che ognuno usa, parliamo di due artisti contemporanei, della stessa scena artistica, con una ideologia simile e possiamo anche considerarli come due personaggi della stessa sfera estetico-politica.

L'obiettivo di confrontarli tra loro è conoscere il significato che ogni artista attribuisce e il motivo di queste ripetizioni cromatiche, oltre a riesaminare il concetto delle opere attraverso l'influenza del rosso e la Natura dietro ogni pigmento.

Nelle sezioni successive, esploreremo come queste connotazioni del colore rosso si manifestano nelle opere di Berni e Grela. Inoltre, analizzeremo come queste scelte cromatiche si intrecciano con gli aspetti politici e personali delle loro vite, fornendo una comprensione più profonda delle loro creazioni artistiche."

La parola "rosso" deriva dal latino "russum" o "russeus", e il termine ha iniziato ad essere utilizzato regolarmente in occidente durante il XV secolo. In precedenza veniva chiamato "bermellone", "colorado" e "incarnato".

Il rosso è considerato nell'arte un colore primario, fondamentale ed essenziale. È il primo colore che vediamo nella vita, il sangue, e diventa la prima tonalità che sperimentiamo per natura.

Culturalmente possiamo sentire diversi aggettivi per definire questo colore e le sue diverse tonalità, come "rosso pomodoro", "rosso vino", "corallo", "carmine", "rosso persiano", "rosso indiano", tra molti altri, che vanno a coprire oltre 100 sfumature simili al rosso standard o rosso medio.

La psicologia del colore trova nel rosso un profondo effetto di attrazione e alterazione dello stato d'animo, e di come le percezioni e le azioni cambiano di fronte ad esso. Si caratterizza per essere intenso a livello emotivo, caratterizzando i forti sentimenti passionale ed erotici.

Il rosso è un colore possessivo che comprende significati come: pericolo, morte, guerra, violenza, aggressività, rappresentando le divinità della guerra, Marte e il romano Ares. Ma nel suo ampio ventaglio di tonalità ha anche connotazioni positive e culturali.

È il colore dell'amore, della seduzione, del desiderio, dell'energia, dell'eleganza, della maternità, della forza e del coraggio. È il colore sacro di Lakshmi, dea indiana della bellezza e della ricchezza.

Nell'arte, il rosso viene costantemente associato come tonalità e significato. È il colore puro più attraente, vivace e sensuale. In generale, il rosso più scuro simboleggia il femminile, il ventre, mentre il chiaro simboleggia il cuore, la tranquillità e l'innocenza.

Ma il rosso è un chiaro esempio di versatilità e dipende da ogni artista su come e dove e con quale combinazione verrà utilizzato.

Perché tanto enfasi su questo colore? Il rosso era il colore principale della bandiera dell'Unione Sovietica, ed è quindi l'identificazione del comunismo e delle espressioni artistiche di questo partito.

E questo ci porta direttamente alle opere della Mutualità, in cui partecipavano i nostri artisti in questione: Antonio Berni e il suo allievo Juan Grela, che erano profondamente influenzati dal movimento socialista in Argentina durante il XX secolo.