Cela fait un an que Ō est né. Le projet a été pensé et réalisé par Cristiano Leone, promu par le Musée National Romain et produit par Electa. Le but ? Valoriser les Thermes de Dioclétien, mais encore - rendre l'art, en plus d'un idéal, un pôle tangible de partage, de communion et surtout de dialogue. Dialogue entre antiquité et contemporanéité, merveilles déjà créées et à préserver d'une part, nouveaux fils à embrasser, soutenir et protéger de l'autre. Il est temps que l'art soit et se sente père et fils à la fois – c'est ce que semble suggérer Cristiano Leone, directeur artistique du Festival. Oui, car Ō est un projet mais aussi et avant tout un Festival (d'où l'idée de fête) au sein duquel les artistes ne se défient pas, mais plutôt se côtoient, jouent et communiquent. Quand ? Chaque semaine et jusqu'au 24 juin 2020, dans un palimpseste qui compte trente-deux rendez-vous.

Le Festival atteint, cette année, sa deuxième édition. « La marque forte de la danse et de la musique électronique demeure, mais de nouveaux genres et disciplines se rejoignent, de sorte que la contemporanéité puisse se manifester dans toute sa porosité. Le théâtre entre en jeu, la réflexion sur le design acquiert un rôle central, la photographie et le cinéma apparaissent, bien que de manière réduite par rapport aux autres disciplines », dit-il. Ō est ainsi un espace ouvert, une conversation constante entre le public et l'artiste, la performance et le lieu. Les disciplines et les expressions sont variées, mais la cause est commune. Parce que les lieux et les artistes sont et font l'Art, les personnes aussi. Et notre temps, le temps d'aujourd'hui – est arrivé à son juste jour.

« Nous devons nous rendre compte que nous avons eu la grande chance (…) de vivre et d'avoir grandi dans le lieu avec la plus grande concentration du patrimoine culturel du monde ». Pour ce faire, suggère-t-il, il n'est pas nécessaire de bâtir des comparaisons, encore moins des batailles – il n'est pas nécessaire de dépoussiérer l'ancien au détriment du nouveau ou, inversement, de boycotter le contemporain à tout prix. Nous avons besoin de dialogue, d'interaction, de sensibilisation. De cette même prise de conscience, Cristiano Leone est porte-parole et exemple parfait, car de philologue novice à spécialiste en gestion culturelle, il est aujourd'hui - outre qu'un professeur d'université (dans le passé, également directeur de la programmation culturelle et de la communication de l'Académie de France à Rome - Villa Medici) - un créateur non découragé, un scénographe ; personnalité éclectique et généreuse qui, jusqu'à présent, manquait vraiment à la scène culturelle italienne. Le panorama de Ō est, de toute évidence, son panorama : des lieux qui ont animé ses études, des couleurs et des textures qu'il connaît, des artistes qu'il estime et qu'il définit « ses coups de cœur », des dialogues (à l'intérieur desquels chaque filtre est en excès) qui sont un « travail d'équipe » et forment des « étreintes ».

Parce qu'animés par un esprit de générosité absolue, les chansons, la mise en scène, les danses et les spectacles de Ō deviennent, entre ses mains, plus qu'ils ne le sont. Ils deviennent, dans une « ligne de continuité de réflexion », porteurs d'un message fort, d'un message nécessaire : « Nous avons besoin de Design, Danse, Musique, Théâtre, Cinéma et Photographie. Nous avons besoin de personnes. Il est temps (È tempo di) – que tout cela arrive. »

Ō est une locution, une interjection d'origine latine. Mais pas seulement. Pouvez-vous nous en expliquer le sens ?

Avec Ō, geste graphique quasi primordial emprunté à l'antiquité romaine, j'ai voulu signaler l'urgence du dialogue entre contemporanéité et histoire, dès le titre. L'année dernière, Electa et le Musée National Romain m'ont demandé d'imaginer un projet inclusif pour améliorer les Thermes de Dioclétien. Tout projet contemporain pour moi devait prendre en compte la puissance du rituel des bains antiques : un moment de partage, d'oxygénation et de réflexion. Rite et métaphore, pour moi, de ce que les arts devraient déclencher : un dialogue constant avec le temps.

Le Festival, dont vous êtes le directeur artistique, en est maintenant à sa deuxième édition. Qu'est-ce qui distingue l'édition de cette année de l'édition précédente ? Pourquoi « Tempo di » (« Temps de ») ?

Le rythme, tout d'abord. Sur base hebdomadaire, le Festival prend la forme d'un rituel, de novembre à fin juin. Tous les projets sont spécifiquement conçus pour célébrer le patrimoine historique et artistique des collections et de l'architecture non seulement des Thermes de Dioclétien, mais aussi du magnifique Palais Altemps. La marque forte de la danse et de la musique électronique demeure, mais de nouveaux genres et disciplines se rejoignent, de sorte que la contemporanéité puisse se manifester dans toute sa porosité. Le théâtre entre en jeu, la réflexion sur le design acquiert un rôle central et la photographie et le cinéma apparaissent, bien que de manière réduite par rapport aux autres disciplines. L'expression « Tempo di » indique également une affirmation vis-à-vis de la politique culturelle : le moment est venu pour le design, la musique, la danse, le théâtre, le cinéma et la photographie d'être accueillis, de façon permanente et structurée, au sein des grandes institutions du patrimoine italien. Ces disciplines, convenablement introduites, interagissent avec le patrimoine sans se juxtaposer à lui. C'est pourquoi tous les projets de « Tempo di » se construisent avec les artistes, qui d'abord s'imprègnent du contexte historique des lieux, puis les célèbrent en les illuminant de leur propre vision.

Qu'est-ce qui, de votre chemin, vous a amené à croire que la culture n'a pas besoin d'être une bataille, mais une étreinte ?

La culture doit fédérer et non séparer. L'humanisme, dont nous sommes des enfants distraits, nous a appris à placer l'être humain au centre du monde, et à explorer ses racines. Il nous a appris que nous devons renouer avec l'histoire afin de comprendre, transmettre et étendre l'héritage de nos pères. Je n'aime pas le brouhaha et la provocation : ma vision de la culture est méditative, paisible et humaine. Le champ sémantique de l'esthétique et de l'éthique de la culture n'inclut pas le mot bataille. Effort, travail, oui. Mais travail d'équipe plutôt, car nous ne sommes pas seuls dans ce monde et seuls nous ne pouvons pas l'interpréter. Je n'embrasse donc jamais la bataille.

Les espaces qui accueillent la nouvelle édition de ce Festival sont des lieux riches en histoire. A-t-il été difficile de combiner, en théorie mais surtout en pratique, l'élément historique avec l'actualité des événements proposés ?

Les protagonistes de ce projet ont vu en Ō - Tempo di une occasion de confronter la dimension individuelle et collective de l'histoire. Dès l'instant où ces artistes ont accepté cette proposition, le dialogue entre l'actualité et l'histoire s'est déroulé de manière naturelle et joyeuse, même lorsque les émotions que ces créations suscitent passaient à travers le prisme de la souffrance. Parce que chaque vérité est multiple et chaque création sincère véhicule un large éventail d'émotions. Mais la construction de ces projets passe toujours par le plaisir de partager avec le public : c'est un acte d'amour, comme l'a dit Massimiliano Fuksas lors de la première réunion dédiée au design.

Quels filtres bloquent aujourd'hui le dialogue entre ancien et contemporain? Y a-t-il quelque chose que nous puissions faire pour accélérer sa dissolution ?

Quant aux conservateurs, aux spécialisations, dans le passé, il était d'usage d'arriver à l'étude du contemporain après avoir assimilé la leçon de l'ancien et du moderne. Aujourd'hui, l'approche contemporaine néglige souvent l'acquisition du passé. De nombreux artistes ont alors perdu la tradition de « l’atelier », l'affrontement-choc avec les maîtres, l'imitatio-aemulatio de la tradition. Ainsi, la comparaison avec le passé est perdue.

Peut-être faut-il supposer que notre grande fortune est de vivre et d'avoir été élevés dans le lieu avec la plus grande concentration de patrimoine culturel au monde. Au lieu d'essayer de produire toujours des nouveautés apparentes, nous devrions peut-être sensibiliser nos artistes à la promotion de notre patrimoine. Le classicisme et la tradition ne sont pas des valeurs absolues, mais radicalement relatives. Ce n'est que dans la dialectique entre passé et présent que la création d'aujourd'hui devient l'héritage de demain. Le patrimoine historique est en constante évolution : nous avons le devoir de préserver et de valoriser ce qui nous a été transmis, mais nous avons encore plus le devoir de diriger le courant vers de nouvelles destinations. Et nous sommes tous responsables.

Design, danse, musique, théâtre, cinéma et photographie. Vous avez soutenu et permis, en tant que conservateur, la conjonction de tous ces arts dans le même projet, le vôtre. Comment se réconcilient-ils entre eux ? Y a-t-il ou non une différence de langage, un obstacle, ou communiquent-ils tous facilement ?

Pour moi, ce ne sont que des étiquettes, plus utiles à simplifier qu'à décrire. Le design se situe entre architecture, art contemporain et artisanat. Et aujourd'hui plus que jamais, elle est intimement liée à de nombreux autres arts : la mode, la musique, la danse. Les artistes visuels sont très souvent aussi des interprètes, embrassant toujours de nouveaux moyens d'expression, qui incluent l'art vidéo, les formes d'installation, la réalité augmentée. Les musiciens ont de plus en plus recours aux modules électroniques, contaminant les formes musicales classiques avec d'autres plus baroques ou contemporaines. La matrice visuelle est indéniable, de plus en plus liée à cette discipline. Mais même la danse est indissociable de la musique, de la mode, des arts visuels, etc. Aujourd'hui l'art n'est pas monolithique, elle doit donc être acceptée dans sa dimension éclectique et protéiforme. En Ō Tempo di cette énergie mixte est également proposée au public avec ses apparentes contradictions. Pour les harmoniser, il y a le but, commun à tous : la comparaison avec l'histoire.

« Ō prend vie lorsque la lettre devient un mot, la cellule un tissu, le point un tout infini ». L'intention de conduire le public à découvrir le processus artistique semble être un point central. Quelle valeur attribuez-vous au mot exploration ? Explorer signifie-t-il comprendre? Et si l'exploration veut ou peut conduire à une compréhension de l'art, inversement l'art doit-il ou non être nécessairement compris ?

Tout est exploration et l'exploration est tout. Nous ne cessons jamais d'explorer, et même à la fin de nos recherches, nous ne sommes qu'au point de départ. Donc non, la compréhension ne se termine pas par l'exploration, mais ce n'est qu'en explorant que nous pouvons nous approcher de la compréhension. De plus, l'art n'a pas de besoin, surtout pas celui d'être compris. Elle n'a peut-être qu'une seule urgence : la liberté.

Enseigner à l'université. À quel point est-ce important pour vous ? De quoi les jeunes ont-ils besoin aujourd'hui, de quoi devraient-ils être informés ? La pédagogie a-t-elle ou non une responsabilité vis-à-vis de l'art ?

L'enseignement est le meilleur moyen de comprendre, dans le sens étymologique de « saisir ensemble », d'embrasser des idées avec l'esprit. J'essaie toujours d'inverser les leçons et de mettre les étudiants en position d'enseignants. Je veux qu'ils se réunissent en petits groupes pour analyser un sujet de différents points de vue. Je considère leur participation en classe et leur développement personnel comme essentiels. Je me fiche d'une tâche bien faite, je veux être surpris par leurs personnalités. Je leur donne une structure, mais seulement pour qu'ils puissent se déplacer librement à l'intérieur. Cette année, par exemple, un de mes étudiants a librement choisi de présenter, au lieu de l'examen final classique, un documentaire poétique tourné spécifiquement pour montrer sa vision des arts. Je pense que les étudiants ont besoin d'idées directrices, d'exemples et de beaucoup de confiance. Un bon enseignant est celui qui stimule la curiosité et encourage la réflexion. Je n'ai pas de certitudes à transmettre, mais quand j'enseigne, je remets humblement toutes mes idées aux étudiants. Ensuite, ils les discerneront, les sélectionneront, seront inspirés ou les rejetteront. La pédagogie doit développer un sens critique, sans lequel l'art n'est pas utile.

Que diriez-vous à ceux qui voudraient contribuer, d'une manière ou d'une autre, à mettre en valeur le patrimoine culturel italien, mais ne savent pas par où commencer ?

Je leur dirais d'étudier beaucoup, d'être excellent dans leur domaine, car la mise en valeur du patrimoine nécessite de multiples compétences. De faire des recherches, non pas attendre que quelqu'un l'implique, mais de construire son propre rôle. Je leur dirais : « N'ayez pas peur de déranger les artistes, les conservateurs et les agents de la culture : demandez-leur de vous rencontrer, d'ouvrir leurs ateliers, de vous apprendre leur métier et n'ayez pas peur de dire que vous êtes là pour les dépasser ».

En tant que philologue novice, que retenez-vous avec plus de joie de votre carrière universitaire ? Y a-t-il eu un jour où vous avez pensé que oui, vos études vous amèneraient là où vous en êtes aujourd'hui, ou est-ce que cela s'est produit en cours de route ?

La philologie m'a fourni une méthode, faite de discipline et d'éthique. Rendre au monde des traces du passé, parfois fanées ou oubliées, m'a fait sentir partie prenante d'un mouvement constructif. Cependant, nous ne pouvons pas nous limiter à restaurer les textes, nous devons comprendre leur signification. Les arts sont le plus beau moyen de décoder le texte du monde. La philologie met donc en lumière. L'art s'explique et se déplie. Je ne pourrais pas séparer aujourd'hui mon activité d'enseignement de celle de directeur artistique : j'y vois une continuité naturelle. Le premier livre, la première leçon de professeur, m'a donné la même joie d'ouvrir les portes d'un festival et d'accueillir les milliers de personnes venues assister aux représentations. Ceux qui m'ont connu au cours de ma vie antérieure en tant que philologue novice sont parfois surpris qu'il soit venu plus tard pour s'occuper de musique électronique, par exemple. Je savais ce que je voulais faire et j'ai poursuivi mon chemin en voulant toujours avoir un impact sur la société. À ce jour, j'ai déjà vécu quelques vies, mais il y en a mille autres à vivre. Qui sait si je les vivrai jamais, mais je sais que dans celles que j'ai déjà vécu, j'ai toujours recherché la cohérence et l'honnêteté intellectuelle.

Vous avez beaucoup voyagé. Y a-t-il quelque chose dans la dimension du voyage qui sert à enrichir, à renforcer la vision que l'on a de son pays d'origine ? L'Italie vous a-t-elle appelé pour changer les choses, ou est-ce vous qui vouliez revenir pour essayer de le faire ?

Une page de Pessoa me vient à l'esprit : « Je passe de jour en jour comme de gare en gare, dans le train de mon corps, ou dans mon destin, dominant les rues et les places, les gestes et les visages ». En voyageant au Japon j'ai compris l'importance de l'ombre, au Brésil j'ai compris la beauté des plantes, en Afrique j'ai compris que le chef de meute guide et protège son groupe. La France a ensuite façonné mon esthétique de jeune homme. Je suis donc retourné en Italie, mais grâce à la France. Et depuis, je ne peux plus quitter mon pays. Je souhaiterais avoir la possibilité d'y rester toute ma vie, mais je dois être mis en mesure d'y mener ma mission.

Mallarmé disait : « Dans une société sans stabilité, sans unité, il ne peut y avoir d'art stable, d'art définitif. » Croyez-vous qu'aujourd'hui, l'art, comme la société, est instable ?

L'instabilité peut nourrir la créativité. L'agitation et le doute sont vitaux pour l'action. Le vrai problème est l'absence de vision.