TB Ward, artista inglese di base a New York, inaugurerà la sua mostra personale Professional Human il 3 ottobre presso la Upstream Gallery di Hastings on Hudson, NY, con inaugurazione il 4 ottobre. Si tratta di una mostra davvero interessante e originale composta da sette dipinti ad olio con un accompagnamento sonoro composto da quattro canzoni e cinque racconti.

Ho letto che questa mostra è nata come reazione all'idea di "marchio personale" e al mondo immaginario che le persone creano online e che accettiamo come se fosse realtà. Pone la domanda: ciò che è rilevante è dato dalla nostra capacità di pubblicizzare e mercificare i nostri pensieri, la nostra vita quotidiana e il lavoro che produciamo? Ward ha scelto la ritrattistica come veicolo di questo messaggio perché ci costringe ad interessarci ai soggetti semplicemente in quanto soggetti. Isola l'individuo dal contesto soffermandosi sulla frequenza umana. Si tratta di persone reali che raccontano una piccola storia del nostro tempo e la responsabilità che Ward si assume in questa mostra rende ogni ritratto una questione personale e delicata. Ringrazio TB Ward per aver trovato il tempo per rispondere ad alcune domande su questo imminente mostra.

Hai iniziato a lavorare dedicandoti alla musica. Puoi raccontarci di quel periodo? cosa ti ha avvicinato alla musica e alla vita da musicista?

Quando ho terminato la scuola d’arte, il mio entusiasmo per l’arte, comprensibilmente, era ai minimi storici e non avevo idea di cosa sarebbe successo dopo. Allo stesso tempo, è successo che ho ripreso i contatti con due amici della scuola secondaria che erano nella mia stessa situazione. Suonavano entrambi la chitarra e io ho detto "Non mi dispiace dire le cose al microfono". Abbiamo iniziato così a fare alcune registrazioni per puro divertimento, ma penso che tutti abbiamo subito pensato che ci fosse del potenziale. La cosa è andata avanti per alcuni mesi e poi abbiamo avuto l’opportunità di affittare una casa a Liverpool per il periodo estivo, quindi siamo partiti!! Una volta lì, ci siamo trovati un batterista, una sala prove e poi abbiamo iniziato a suonare. Nessuno di noi ha mai avuto dubbi: abbiamo provato a lungo e un paio di anni dopo ci siamo trasferiti a Londra dove le cose hanno iniziato davvero ad accadere.

Cosa ti ha portato a New York e quando ti sei trasferito lì?

La prima volta che sono venuto a New York è stato per suonare ad un concerto con la band di cui sopra (ci chiamavamo Elevate). Andare a New York non è mai stata una mia ambizione – il concerto è stato organizzato dal nostro management – ​​ma ovviamente, una volta lì, ha avuto il suo fascino. Ho incontrato mia moglie, Ruth, durante quella prima visita, quindi da quel momento in poi ho iniziato a farle visita a New York ogni due mesi fino a quando non si è trasferita a Londra nel 1997. Circa un anno dopo, la band ha iniziato a disgregarsi un po' e io ero pronto per un cambiamento, quindi quando a Ruth fu offerto un lavoro a New York ci trasferimmo lì, era il 1999.

Cosa ti ha spinto inizialmente a dedicarti all'arte visiva? Dopo la pausa musicale, cosa ti ha spinto a tornare all'arte visiva?

Uno dei miei primi ricordi riguardava la selezione di libri d'arte che possedevano i miei genitori - Van Gogh, Renoir, Monet - Non sono proprio sicuro di cosa stessi pensando, ma c'era una magia di cui ero consapevole. Inoltre, mio ​​padre era un architetto, quindi ero sempre circondato dai suoi disegni e spesso faceva schizzi del paesaggio quando andavamo in vacanza con la famiglia. Ricordo che mi sedevo con lui su un muro alla periferia di un piccolo villaggio costiero chiamato Solva in Galles, disegnando una veduta della città. Ovviamente vedere cosa faceva mi ha aiutato con cose come la prospettiva e il peso dei segni. In risposta alla seconda parte della tua domanda, ho iniziato a dedicarmi davvero all'arte visiva intorno al 2000, nel primo anno dopo il mio trasferimento a New York. Mi trovavo in un ambiente strano e nuovo, conoscevo pochissime persone e avevo lunghe giornate da riempire, quindi sono tornato a qualcosa che mi sembrava familiare e appagante. Detto questo, non sono mai caduto del tutto dal carro artistico dato che avevo sempre realizzato le illustrazioni per i dischi che la mia band aveva pubblicato, e i testi che scrivevo erano sempre negli album da disegno insieme ai disegni e agli appunti che avevo preso.

Qual è il primo pezzo che hai creato?

Il primo pezzo dopo essere tornato ad occuparmi di arti visive nel 2000? I primi dipinti che ho realizzato in quel periodo erano piccoli paesaggi con strani edifici senza persone. Se dovessi descriverli, direi che abitavano lo stesso mondo dei dipinti di Giorgio de Chirico risalenti al periodo della Prima Guerra Mondiale. Erano decisamente sperimentali con un riferimento al passato, una piccola serie solitaria che forse riflette i miei primi mesi a New York.

Il ritorno in Inghilterra è stato un nuovo capitolo della tua pratica artistica? Cosa è successo dal punto di vista artistico?

Sì, è stato sicuramente un cambiamento per me. In sintesi, eravamo tornati nella città rurale in cui ero cresciuto. Inizialmente ho continuato a creare opere astratte che erano un'estensione di ciò che avevo realizzato a New York, ma dopo un paio d'anni mi sono reso conto che nessuno era particolarmente interessato a quello che stavo facendo e che avrei potuto usare questa occasione per fare qualcosa di nuovo e diverso. Ho sempre desiderato realizzare dipinti di paesaggi all'aria aperta e questa è stata l'occasione per farlo! Sono ritornato all’ossessione della mia prima infanzia per i dipinti di Van Gogh, Monet e i postimpressionisti. Volevo migliorare nell'uso del colore, mettere alla prova le mie capacità di osservazione e nell’usare la pittura ad olio. È stato trasformativo ed ha influenzato tutto il mio lavoro.

Cos'è il "professionista umano"? In che modo il tuo processo in questa serie differisce dagli altri tuoi lavori?

Penso che il concetto di trasformare il semplice fatto di esistere in una professione per un essere umano sia ridicolo e divertente. Professional Human, la mostra, è una reazione all'idea a volte insulsa di un "marchio personale" e al mondo immaginario che le persone creano online su se stesse. Ciò che è rilevante dipende dalla nostra capacità di pubblicizzare e mercificare i nostri pensieri, la nostra vita quotidiana e il lavoro che produciamo? Volevo approfondire un progetto in cui non ci fossero nascondigli, né trame imposte, e ho sentito che la ritrattistica era un veicolo interessante per questo messaggio. La mia piccola ribellione contro una cultura di saturazione eccessiva è stata quella di rallentare, spingermi a fare un investimento più profondo in ogni dipinto. Sento che i ritratti ti costringono a interessarti ai soggetti semplicemente in quanto soggetti. C’è la responsabilità intrinseca di catturare l’essenza di una persona con cura ed empatia, rendendo ogni ritratto una questione personale. Per quanto riguarda i dipinti veri e propri, ho utilizzato dipinti molto noti del passato come modelli per le pose - ho usato opere di Cezanne, Frans Hals e Theodore Gericault tra gli altri - il che dà a ciascun dipinto una piattaforma da cui partire. E ogni soggetto ha una sorta di immagine in testa quando iniziamo il processo. Ovviamente man mano che il pezzo si sviluppa, le cose cambiano, ma adoro questo cenno ai pittori del passato.

Inoltre, forse appoggiandomi ulteriormente alla natura sfaccettata dell’essere umano, volevo che l’audio fosse parte della mostra, quindi ho deciso di registrare sul mio vecchio registratore a cassette a 4 tracce utilizzando lo stesso principio del “nessun nascondiglio”. Ho creato sia nuove canzoni che interpretazioni di storie che avevo scritto in precedenza. Ovviamente ci sono limitazioni al numero di tracce che puoi registrare su un dispositivo a 4 tracce e non ho usato assolutamente alcun effetto speciale, è tutta una questione di prestazioni. Sono entusiasta di aver stampato una piccola tiratura di dischi in vinile che completa la mostra.