Dopo alcune esplorazioni del territorio dell’Alto Garda avvenute nel mese di novembre 2014, Mario Raciti si è dedicato ad un ciclo di opere su carta che restituiscono all’osservatore differenti percorsi immaginativi intorno ai luoghi che lo hanno maggiormente sedotto, sia dal punto di vista naturalistico sia da quello più indeterminato e sfuggente che implica la possibilità di portarsi oltre il visibile, verso le zone instabili della visione sospesa, straniante, errante.

Il titolo scelto dall’artista per questa esposizione (Natura Oltre) indica lo sconfinamento immaginativo che le morfologie del paesaggio hanno suscitato tenendo aperto quel carattere di presenza-assenza dell’immagine che costituisce l’identità costante della sua ricerca, processo d’invenzione e rivelazione dell’invisibile.

Questo ciclo di opere è ancor più significativo in quanto - nel contesto di ricerca che Raciti conduce da diversi decenni intorno alle forme dell’ignoto - esso si pone come una felice digressione, un racconto di molteplici avvistamenti che si apre e si chiude in modo autonomo e compiuto, nel rispetto del referente naturalistico. Attraverso circa sessanta fogli di diversa dimensione (disegni, inchiostri, tempere, tecniche miste) la mostra raccoglie nuclei di immagini relative a luoghi, forme naturali, panorami che da minimi dettagli si aprono verso il respiro dell’altrove, con intuizioni spaziali che affermano l’oltrepassamento delle forme conosciute.

La svettante rocca di Arco, le rocce scoscese del Ponale, le gallerie della gardesana occidentale, la cascata del Varone, le trasfigurazioni del monte Brione, la riscoperta simbolica dei cimiteri, il panorama con le sponde del lago, i crinali dei monti visti da lontano, le vie e i camminamenti dentro le vegetazioni, il profilo degli uliveti e il ritmo spaziale dei cipressi. Sono questi i luoghi ricorrenti che hanno attirato l’artista nel suo viaggio tra le atmosfere evocative della natura gardesana, intuizioni figurali che esprimono lo stupore e l’incanto del paesaggio, ma anche quel senso di sottile smarrimento che Raciti coltiva come valore necessario al suo modo di creare segni e colori. Si tratta di una sequenza di visioni poetiche che rimandano alle energie profonde dell’inconscio, agli impulsi inquieti dell’immaginazione, alle avventure grafico-cromatiche che sono una preziosa lezione di sguardo che privilegia il flusso della fantasia tra meditazione e trasfigurazione interiore.

Per l’occasione è stato pubblicato il catalogo delle opere esposte, introdotte da un saggio critico del curatore Claudio Cerritelli, docente di Storia dell’Arte contemporanea presso l’Accademia di Belle Arti di Brera.

«Ho siglato con P.A.G. (Paesaggi dell’Alto Garda) le opere singolari che mi sono nate da quando ho accettato l’incarico di rappresentare questi bellissimi luoghi. Quest’esperienza, apparentemente fuorviante, mi ha rivelato la disponibilità e l’estensione del mio sentire. La forma è un po’ cambiata, sono apparsi (ma un po’ come fantasmi?) i referenti del lago, delle strade, delle montagne, ma anche dei romanzi, dei racconti, delle poesie dei grandi che frequentarono questi luoghi: Mann, Kafka, Rilke, assai stimolanti compagni.

Lo stile (come a volte avviene nell’effimero di oggi) non deve essere determinato dalla forma, e invece un’ossessione che abbiamo dentro che si adatta coerentemente ad ogni forma che lo possa recepire. In questo caso, anche nei Paesaggi dell’Alto Garda, sono stato portato ad indagare quello che mi assilla da sempre: cio che si nasconde “verso il dentro” e ciò che si nasconde “verso l’alto”. Ritornerò poi ai temi e alle forme consuete (in questo momento a Una o due figure, che vagano in spazi ignoti) sicuro, convinto, perché ho sperimentato che, anche nel mondo visionario, tutto si tiene». - Mario Raciti

Mario Raciti è nato a Milano nel 1934. Abbandonata la professione legale, si è dedicato professionalmente alla pittura dagli ultimi anni '50. Da allora, opere che hanno superato il mezzo secolo resistono sulle pareti di collezioni e istituzioni, nella continuità di un'ossessione, propria dell'artista di ogni tempo, che lo porta, attraverso vari giochi della fantasia e dei momenti, a percorrere un mondo sempre aperto all'altrove, all'"oltre".

«Quando, nel 1952, mi iscrissi a Giurisprudenza anziché a Brera, pur desiderando a tutti i costi di “fare il pittore”, incominciavo già a seguire quella linea “trasgressiva” che mi seguirà nel mio fare poi professionale, di pittore vero. Un po’ anarchico, non adeguato ai canoni correnti (usavo la pennellata “à plat” in tempo di pittura analitica!), non seguivo il fare del momento come altri, non sentivo l’arte come forma (non rassomigliavo, come molti affermavano, a Novelli o a Twombly per via del bianco e della matita); mi avvicinavo alla povertà della stesura (negli anni ’70) più per rarefazione spirituale che per pragmatismo esecutivo (“troppo poetica per appartenere alla nuova pittura, la tua”, mi disse Fagone).

Inseguivo chimere altre, era un viaggio che svolgeva verso un non dove, in una atmosfera visionaria di tensione e dissipazione. Ho pensato sempre alla mia pittura, che viaggia e varia nella psiche profonda del viaggiatore, come a un romanzo di formazione, alla maniera di Enrico di Ofterdingen di cui Klaus Wolbert ha citato per il mio lavoro il “fiore azzurro”, che è simbolo romantico.

Per cui, se, per alcuni, sono “borderline”, se altri, come Barilli (su l’Unità), mi ritengono ancora un informale “come un kamikaze giapponese che combatte ancora su un’isola senza sapere che la guerra è finita”, (ma quanto tempo è passato dal vecchio informale, quasi quanto quello del “fare pittura”): io so solo che, memore dell’arte di sempre, invento tra le macerie dell’oggi “una pittura ultima”, ed è colpa del mio inestinguibile, pressante sogno, se sono kandiskianamente necessitato da una forma che è quella e non si può classificare alla luce dei regolamenti vigenti.

Ed in questo senso mi sento “moderno” (e non “modernista”): perché vivo drammaticamente l’impossibilità della pittura di esserci come presenza (“Non fosse artista”, cito Gualdoni, “Mario Raciti vorrebbe una pittura felice…”), ma come traccia visionaria, come velato altrove, in attesa di un domani più vero, oggi dolorosamente impossibile.

I fiori del profondo è l’ultima evoluzione della mia pittura. Dopo le figurazioni fantastiche degli anni ’60, le Presenze assenze degli anni ’70, le Mitologie degli anni ’80, negli anni ’90 nascono i Misteri, che evolvono nel 2000 nei Why (drammatico “perché” del Cristo sulla croce). Poi, rivivendo il mito di Proserpina, che, prigioniera nell’Ade, anela a comunicare sulla terra colla madre Demetra, dea delle messi, facendo nascere sul pianeta i fiori a primavera, apro il dramma alla speranza, Speranza, oggi velata dalla privazione di contatti veri, speranza di un nuovo vivere. Ultimamente lavoro su Una o due figure, con i fiori divenuti dardi e la descrizione di irraggiungibili amplessi».