L'exposition part de la curieuse collection de masques mortuaires — moulés sur les visages de peintres tels que Almeida junior e Pedro Alexandrin — étudier la manière dont les artistes gèrent le temps et leur expérience. Réunissant une quarantaine de sculptures, allant du XIIe siècle à nos jours, l'exposition est l'occasion de réfléchir sur le langage, de voir et de revoir des œuvres fondamentales de la collection de la Pinacothèque.

En entrant dans l’espace d’exposition, le public découvre une sculpture médiévale du XIIe siècle, représentant le Christ crucifié, d’auteur inconnu – ainsi que des œuvres de la période baroque au Brésil. Viennent ensuite les masques mortuaires, ainsi que les sculptures en bronze de Brécheret e Loup Liuba.

Parmi eux, il y a la tentative des artistes du début du XXe siècle de représenter les femmes et les hommes noirs comme des « types brésiliens ». Jusqu'au début des recherches pour cette exposition, une seule de ces sculptures portait un nom : Marie de Gloria (entre 1920 et 1988), de Luiz Morrone. Lors de recherches visant à analyser l'origine de ces titres, l'équipe a localisé le nom du modèle d'une sculpture de José Cucê, Irina – qui fait désormais partie du titre de l’œuvre.

La forme de la fin naît d’un regard sur la collection centenaire de la Pinacothèque, qui compte plus de 13 mille œuvres. Parmi eux, près d'un millier font partie de l'exposition permanente, Pinacothèque : Collection.

En considérant la collection comme une plate-forme de nouvelles recherches et acquisitions, l'intérêt naît pour la collection de sculptures présente dans la Pinacothèque, dans la recherche de comprendre comment elle se forme et quelles sont ses caractéristiques marquantes qui se sont développées au fil du temps. Les conservateurs ont cherché à comprendre ces tendances historiques, organisant leur discours en fonction de ce qui est récurrent dans la collection.

L'un des masques de « La forme de la fin » est celui de l'artiste Almeida junior, l'un des noms les plus importants de l'art brésilien du XIXe siècle, dont l'œuvre constitue la base de la collection de la Pinacothèque.

Racines mortes de la nature et des vignes (2015 – 2013), de Advanio Lessa, donne un nouveau sens à la matière morte, la transformant en quelque chose de vivant à travers l'art. Donnant forme aux différentes dimensions du temps, des sculptures telles que Animal. Cadran solaire (1960), à partir de Lygie Clark, Yuxin (2022), à partir de Kassia Borges, Outil météo (2021), à partir de José Adario, et les performances Passage (1979), à partir de Céléida Tostes, proposent d'appréhender la vie et les activités de l'art de manière cyclique.

Les sculptures de Marcia Pastore e Hudinilson Jr. (années 1980), des membres du corps ou des vêtements se matérialisent dans l’espace, témoignages délicats de leur présence, qui ne s’imposent pas comme ordonnant le monde. Le célèbre ouvrage de Waltercio Caldas, L'émotion esthétique (1977), est un indice pour comprendre cette présence et notre expérience de l'art : une paire de chaussures semble sur le point de flotter devant la forme – une manière d'être devant quelque chose qui nous émeut, de comprendre notre émotion à travers dialoguer, rechercher comment nous mettre en relation et ainsi imaginer notre avenir.

(L'exposition est organisée par Yuri Quevedo)