Una exhibición de cinco proyectos diferentes del estudio de Tony Lewis que están conceptualmente vinculados a través del material, de la historia personal, el trabajo y más específicamente al Listado de Verbos de Richard Serra como musa lingüística. Algunas de las prácticas de los dibujos se refieren directamente a los verbos del listado, mientras que otras son manifestaciones físicas de tales acciones. Compuesta por bocetos intimistas, trabajos en lápiz sobre papel, instalaciones a gran escala site-specific y dibujos envejecidos con una existencia en continua evolución (dibujos que continúan realizándose durante viajes frecuentes, remodelación constante y con una historia propia de exhibiciones), “Campo De Juego” destaca la eficacia de las directrices autoimpuestas para crear un campo de juego conceptual y físico en el que los creadores pueden aprehender los límites de su cuerpo.

La siguiente es una entrevista entre Tony Lewis y Javier Aparicio sobre la exhibición de Lewis en Art Projects Ibiza, “Campo de Juego”.

Javier Aparicio: Tu práctica investiga la relación entre el dibujo y el lenguaje, ambos entendidos como acciones en el tiempo; ¿de qué manera el hecho de trasladar tu estudio a la isla ha afectado la forma en que interpretas esta relación? ¿Has encontrado nuevos límites para trabajar?

Tony Lewis: Creo que mover el estudio... Cada vez que el trabajo se mueve de un lugar a otro o cada vez que la energía va de un sitio a otro siempre afecta al tiempo, afecta al espacio y siempre afecta la forma en que se lee el trabajo o se concibe. Creo específicamente que para esta exhibición, para esta residencia, es muy importante pensar en el plan y en la forma en la que trabajamos; la cantidad de tiempo durante el día que dedicamos al trabajo, porque es muy, muy tedioso, muy, muy lento, metódico y meditativo. La labor que está relacionada con el concepto del trabajo y el concepto de los dibujos es en realidad mucho más rápida, mucho más inmediata debido a la naturaleza del lenguaje, que en este caso es la taquigrafía. La taquigrafía de Gregg es algo escrito y diseñado para ser rápido, algo que puedes hacer muy rápidamente y permite grabar el habla a la misma velocidad a la que se habla. Entonces, para mí, una de las mejores cosas es tener esa instantánea conceptual del dibujo y luego llevarlo a este proceso que es lento, metódico, rítmico y realmente más enraizado en tu cuerpo, en cómo respiras y no necesariamente prestas atención o miras lo que estás haciendo, pero de alguna manera tienes una comprensión secundaria de lo que está sucediendo frente a ti; hace algo en la forma en que percibes el tiempo, ralentiza mucho las cosas y todo eso está dentro de la forma en que la instalación o el trabajo o la labor se relacionan con el idioma. ¿Eso responde la pregunta un poco?

JA: Si

TL: Ok, perfecto

JA: Voy a saltar la siguiente pregunta porque ya has hablado de como el espacio afecta a la manera de trabajar…

TL: De hecho, puedo hablar de eso un poco más específicamente. Hicimos algunas visitas preliminares a través de Internet ya que no pude visitar los espacios, pero toda la información que tenía antes de verlos era muy diferente al hecho de caminar en los espacios en persona. Creo que la forma en que lidié con estos espacios es la misma que con la mayoría de las instalaciones o la mayoría de las exhibiciones: los espacios siempre son algo nuevo y siempre estoy dispuesto a cambiar, así que cuando entré en Art Projects Ibiza y vi lo grandes y majestuosos que son con esta luz natural –es tremendo– todos estos factores dictan inmediatamente la labor que acabo de describir e inmediatamente dictan, creo, el trabajo. La rapidez del trabajo, la decisión de hacer un dibujo de éste tamaño particular o ésta altura particular o éste ancho, es muy inmediato. Por lo tanto, es una relación rápida con el espacio, una lectura muy rápida que es algo que creo que es inherente al trabajo site-specific, pero también es la naturaleza del trabajo en sí mismo

JA: Hablando de eso, y esto es algo que he estado pensando, las instalaciones site-specific y también los dibujos, desaparecen una vez que la exhibición termina y me preguntaba si encuentras alguna relación con el arte performativo.

TL: Sí. La respuesta es sí, pero realmente no pienso en ello en ese contexto. Tengo un contexto muy específico para la forma en que concibo al dibujo, pienso en esa pregunta en relación con las exhibiciones exclusivamente. Puedo tener una conversación sobre el arte performativo, pero eso no significa que esté expuesto para ser visto en el mismo contexto en el que se ve el arte performativo. Tengo una relación con el arte performativo porque tengo relación con cierto tipo de acción –la exhibición en sí está muy orientada hacia la acción en su creación y en su sujeto; hablo del desempeño del cuerpo hasta un cierto grado y para mí es muy, muy performativo por naturaleza, por lo que tienen una relación conceptual, pero, no creo que el trabajo sea arte performativo porque no creo que la acción se muestre en el mismo contexto que los dibujos de pared o los dibujos preexistentes. Ahora, la única excepción serían los “dibujos de suelo” porque creo que son muy maleables y porque absorben el tiempo de forma muy diferente a otros dibujos. La instalación de las obras se ve un poco más expuesta y creo que la evidencia de una especie de acción improvisada está un poco más imbuida en el objeto. Es algo que cambia con el tiempo, por lo tanto el cambio es claro, la acción o mi influencia física sobre el objeto es clara, así que creo que por eso se acerca un poco más al arte performativo. Pero no en ese contexto porque tiendo a pensar en el arte performativo como algo –y podría estar equivocado aquí– que realmente usa al cuerpo para expresar un cierto tipo de lenguaje o un cierto tipo de emoción relacionada con el cuerpo. O como estos son objetos que están hechos para ese tipo de acción, pero son representativos de la acción sin usar el cuerpo. Y tal vez eso sea equivocado, porque se puede pensar el arte performativo de muchas maneras diferentes. En general, estoy interesado en el dibujo; toda la acción del cuerpo o toda la acción en general y el lenguaje, están al servicio de crear el dibujo, ese es el objetivo final, pero hay muchas cosas entre medio, incluido el arte performativo. ¿Tiene sentido?

JA: Si, el arte performativo está más relacionado con la acción que con el objeto en sí. Puedes hablarnos más de los tres cuerpos de trabajo que se exhiben y cual es el más reciente?

TL: Supongo que estamos exhibiendo tres cuerpos de trabajo… Técnicamente serían cuatro (risas) siendo que traje cuatro tipos diferentes de dibujos, sin embargo creo que nuestro enfoque es sobre tres. Uno son los trabajos que hice en Chicago de dos dimensiones y son los que están en la pared en Lune Rouge. El segundo cuerpo son los dibujos site-specific que son los que están en API –puedo llamarlo API verdad?

JA: Si

TL: Y el tercer cuerpo de trabajo son los “dibujos de suelo” que realmente provienen de todas partes, y fueron creados en muchos lugares diferentes; son una especie de banda itinerante de Bluegrass por decir que se mueven mucho y que tienen su propia vida. Por lo tanto esos 3 cuerpos de trabajo están muy, muy separados, pero todos vienen del mismo tipo de estudio. Lo que más me gusta de esta exhibición es la oportunidad de exponer los tres juntos, pero incluso más allá de los tres, poder intercalar “dibujos de suelo” con los site-specific y dibujos de suelo con algunos más grandes –y otros supongo más pequeños– estenográficos enmarcados en madera. Todo el trabajo se centra en un cierto tipo de acción y un cierto tipo de lingüística, que representa el fundamento de la misma; los dibujos de suelo son una encarnación física de una acción, los dibujos de texto site-specific son verbos que se refieren a la acción que se realiza en el dibujo de suelo y los dibujos preexistentes hechos en Chicago que fueron enmarcados son el pilar de la exhibición. Necesitaba hacer esos tres dibujos primero antes de saber cuáles serían las otras dos cosas involucradas en el show. Creo que el trabajo más reciente es el que he realizado site-specific por decir que es literalmente el trabajo que se está realizando y existe aquí y no antes. No tiene una historia en términos de haberse manifestado antes de esta exhibición en otro lugar que no sea mi cerebro. Así que ese es el trabajo más reciente y después de eso los trabajos enmarcados en madera son los segundos, y los dibujos de suelo han existido por 7 u 8 años acumulando lentamente exhibiciones y deteriorándose lentamente exhibición tras exhibición

JA: Personalmente, estoy muy emocionado y agradecido de tener uno nuevo…

TL: ¡Oh, si! ¡Me había olvidado! (risas). Junto con los dibujos de suelo, junto con las obras site-specific... Supongo que ese es probablemente el trabajo más reciente, porque lo que es interesante sobre el dibujo de suelo que estamos haciendo aquí es que va a vivir y existir, con suerte y si tengo la suerte de tener la oportunidad de otra exhibición, ese dibujo estará allí y luego irá de allí a otro espacio y a otro espacio. Estoy viendo un dibujo en este momento que se hizo en Florencia hace dos años y después de esa exhibición, se guardó en una caja y se envió de regreso a Chicago, se colocó en el suelo por un tiempo y luego tuvimos la oportunidad de traerlo aquí y aprovechamos esa oportunidad para enviarlo y abrirlo de nuevo para ver cómo se veía; acabamos de abrirlo hace dos días y es el plano exacto de una cripta que está en el sótano de un museo en el centro de Florencia, y al tenerlo abierto y poder recordar qué estaba dónde, recordar la especificidad de ese dibujo o recordar la labor, recordar la gente que estuvo allí es parte de esa obra, entonces lo que más me gusta de estos “dibujos de suelo”, es que puedo hacer eso otra vez aquí y ellos llevan esa historia y llevan ese trabajo, terminan siendo grandes y hermosas conmemoraciones de cierto tipo de trabajo colectivo que realmente disfruto. En realidad, son mucho más emocionales de lo que me gustaría que fuesen, debido a las personas involucradas en hacerlos. Desde un punto de vista objetivo, en realidad son sólo monocromos de grafito, dibujos monocromáticos muy grandes, es decir, son casi formales en la forma en que se entienden pero en todo el proceso de realización, la acción y todo ese desempeño se vuelven un poco más personales; los recuerdos relacionados con los espacios de una galería siempre son una sorpresa, por lo general tienes recuerdos cálidos o fríos, es un placer…

JA: Por último, ¿que opinas sobre tu experiencia en Ibiza hasta ahora?

TL: ¡Oh Dios mío! Creo que tengo mucho que aprender sobre Ibiza pero ya he aprendido bastante. Hay tanta historia y tanta cultura que aún no he aprovechado. Cuando viajo por primera vez a un lugar, una de las primeras cosas que trato de comprender, en realidad solo por supervivencia, es el idioma. Y creo que una de las formas en que puedo entender mejor un lugar o entender el lugar donde la obra se sitúa mejor es a través del lenguaje; esa es una de las formas en que el trabajo puede apropiarse o entenderse en relación con el lugar donde se encuentra, este trabajo utiliza el lenguaje de esta tierra y para mí ese es el primer paso para comprender lo que está sucediendo aquí. Y para mí, esa es una de las formas más hermosas de entender el espacio entre dos personas –el lenguaje– y creo que el arte tiene una posición muy similar. Entonces, para mí es venir de un lugar como Chicago a un lugar como Ibiza –el clima es muy diferente, pero también es verdad que la calidez de la gente es muy parecida, lo que es un gran, gran alivio (risas). Hay mucho más que puedo decir, pero creo que este es un buen lugar para comenzar porque solo llevo aquí una semana, tengo algo más de tiempo...

JA: Si…

TL: Tenemos trabajo que hacer pero también tenemos más cosas de las que nos tenemos que encargar, tu y yo (risas)